ALGUNOS DE LOS BOCETOS INFORMALES.

LA CARTA DICE EL MOTIVO.

Pero para que el garabato pasara del margen al centro de la escena artística resultó necesario nada menos que la revolución del siglo XX. Solo cuando la destreza manual pasó a considerarse menos esencial en el concepto del arte que la originalidad y la creatividad, el garabato pudo fusionarse con las corrientes de arte vigentes. El climax de esta evolución se alcanzó con el surrealismo después de que André Breton hubiera abogado por la escritura y el dibujo automáticos. Algunos de los productos resultantes son verdaderamente indistinguibles de los no entrenados.
Incluso antes de esa época, un destacado maestro como Paul Klee había expuesto en una de sus conferencias, pronunciada en la Bauhaus, hasta que punto disminuía su control consciente en la creación de sus fantasías visuales. Lejos de comenzar con una intención firme, él permitía que las formas crecieran bajo su puños siguiendolas a donde le condujeran; dicho en la terminología de los ingenieros modernos, se basaba en la retroalimentación tanto como suele hacerlo el garabateo ocioso, aplaudiendo lo que quiera que emergiera si le parecía aceptable.
Acrílico sobre tabla de medidas: 61X103

TEMPERATURA AMBIENTAL.

Acrílico sobre tabla de medidas 123x63 cm.
Se engaña quien piense que dentro de la sociabilidad del ser humano pesa más el amor y el altruismo, en el otro lado están la estupidez y la muerte

FUMANDO ESPERO. El desenlace.

Si bien es fácil mostrar que los garabatos suelen ser grandes acreedores del estilo y las convenciones de su tiempo, no debemos olvidar el proceso inverso: la influencia que ha tenido el juego de los garabatos sobre el arte de los maestros.
No es que esta influencia se haya hecho sentir en todos los tiempos y estilos: allá donde las convenciones artísticas se basan en la extricta disciplina y la aplicación de fórmulas rígidas,  la practica del arte excluirá toda juguetona relajación de las costumbres. Es solo cuando estas costumbres se relajan deliberadamente cuando la práctica artística se vuelve permeable a este libre juego de la pluma que denominamos garabatear.
Fue Leonardo quien se sabe que urgió al pintor a que buscara el estímulo de formas casuales como manchas en la pared o brasas incandescentes para realzar su poder de invención, y sus manuscritos ofrecen infinidad de evidencias que muestran hasta qué punto él mismo dió tambien rienda suelta a su pluma. ...En su Tratado de la pintura señaló que, al dibujar, el artista debería evitar un acabado cuidadoso para no dificultar el flujo de su imaginación. Lo que él denominaba "un conponimento inculto", un boceto desaliñado, era preferible para estimular la mente.

FUMANDO ESPERO. El origen.

Decía E. H. Gombrich en su libro "Los usos de las imágenes", en el capitulo 8, titulado "Los placeres del aburrimiento" y, entre otras cosas: Por tanto debemos el placer de contemplar estos frutos del aburrimiento a ese cambio radical que vino a identificar la actividad artística no ytanto con la destreza como con la necesidad de crear, y que durante los últimos cien años ha despertado el interés por el arte de los "primitivos", de los pinti¡ores dominicales o de los sicóticos y todas aquellas gentessin adiestramiento como nuestros escribientes.

Es ciertamente gratificante contemplar los garabatos reunidos en este volumen- Vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores, de Vasari, publicada por primera vez en 1550.- como una expresión del instinto de juego que nunca nos abandona, ni siquiera cuando crecemos. Básicamente hay dos tipos de juego que les gusta permitirse a estos escribientes: uno de ellos se deriba de la escritura y el otro de la creación de imágenes....Después de todo no se lo tomaban en serio; y el juego era reconfortante cualquiera que fuese el resultado. En esto reside precisamente el atractivo de dibujar rostros o monigotes: aunque su aspecto nos sorprenda y difiera enormemente de lo que uno se haya propuesto hacer, nos demuestran tener un carácter y una fisonomía propios. En todas partes he rendido homenaje al artista que describió por primera vez este descubrimiento. Se trata de Rodolphe Töpffer (1779- 1846), el inventor de la tira cómica y autor de un entretenido tratado sobre fisonomía en el que presentó lo que podría calificarse como el estudio empírico de la expresión faccial. Cualquier rostro que uno pintarrajee, por primitivo o distorsionado que sea, nos impresiona como "creación", como ser individual y potencial habitante de un mundo imaginario. Este hecho, aunque nos repitamos, es independiente de la destreza del dibujante; e independientemente también del grado hasta el cual emplee deliberadamente un lenguaje primitivo o pretenda hacer un retratorazonablemente realista.

BOQUITAS PINTADAS

Dice Tàpies: La idea de los "valores pictóricos" también ha ido como anillo al dedo a los mismos "dirigistas" y a todos los que superficialmente, con más o menos buena fé, han propagado la versión del arte puro, del arte por el arte, etc,., creyendo que lo importante es crear unos colores agradables, una composición decorativa, elegante, en fin, "estética".

Otros críticos muy amigos me han hablado incluso de que la expresividad de las extructuras puramente pictóricas más bien queda mermada por el uso de una imagen que recuerde la realidad. Para ellos, la organización apropiada de una extructura artística, y nada más que artística es lo único que le da valor.

Pero ¿Cómo han de ser esas extructuras para que den al expectador un "placer estético"? ¿Qué le sucede al expectador frente a ellas? ¿Qué es lo que hace  que unas sean mejores que otras? ...¿No se habría tal vez de interpretar la idea de"extructura puramente artística"como la de un conjunto, de un andamio de imágenes entre las cuales puede predominar una, según las intenciones de la obra, que la puede hacer figurativa o no, pero que no tendría demasiado sentido si no estuviera integrada en todo un conjunto de otras sugestiones?¿No sería "pintar bien" poder comunicar mayor riqueza y profundidad de pensamiento y de emociones gracias a la conbinación más afortunada que extructure este conjunto e imágenes? Naturalmente, se cree que las imágenes han de ser forzosamente "realistas"; eso será imprescindible.
Pero si se tiene en cuenta que no ha habido nunca una verdadera imagen "real en pintura" ..., se debe poder sugerir igualmente por otros medios aunque no sean los que tradicionalmente se entienden como figurativos, ya sea por desencadenar una natural asociación de ideas, o tal vez por similitud o por contraste, por el desvelamiento de recuerdos, de reminiscencias, por sorpresas inesperadas, o por tantos y tantos estímulos que actúan sobre nuestra sensibilidad general.

¿No serán pues, estos otros procedimientos, esta conbinación de imágenes, que no quiere decir acumulación -entre las cuales puede haber, ¿por qué no?, figurativas -, lo que en definitiva confiere riqueza y valor a la obra de arte? En el fondo, pues, esto implica que en la pintura, por abstracta que parezca, todo hace que dentro de nosotros tenga una resonancia concreta, ¡y hasta "figurativa"!, ya que una mancha de rojo siempre nos sugerirá la sangre, y en una gran superficie azul siempre veremos el cielo, etc., y no parece que se pueda sostener la jerarquía de ningún procedimiento. Todo, pues, puede expresar alguna cosa, incluso los detalles que parecen sin importancia. Y, en resumen, tal vez se trata sencillamente de esto: evitar lo gratuito, que la obra tenga siempre una motivación, conseguir hacer hablar al cuadro, todos sus rincones. Y siempre, claro está, en función de su contexto histórico-artístico.

Toda una lección de clarividencia conceptual. Gracias maestro, allá donde estés.

PRINCIPIO Y FINAL

Este cuadro figurativo hecho sobre la marcha, intentando reproducir fielmente la fotografía de donde lo copié, no deja de ser un ejercicio de aprendizaje, situación esta, (ejercicio y aprendizaje) en la que espero seguir encontrandome mientras desarrolle  esta actividad, la pintura.
 Porque, es ese afán de descubrir lo nuevo, de investigar caminos únicos, guiado por el impulso y la espontaneidad del momento, lo que da autenticidad al trabajo realizado. 

Aunque la figuración puede resultar rígida, porque hay que ceñirse a unas leyes  y a unas técnicas que requieren mucha práctica, mucho ensayo y error y para las cuales es preciso tener ciertas cualidades naturales, también  produce placer, porque, como está casi todo por aprender, siempre  se pueden descubrir matices nuevos como la relacción de sombra, luz y color, que da credibilidad a los volúmenes, la composición que puede arruinar el cuadro si no se tiene cuidado a la hora de plantearla, una visión de conjunto donde los elementos estén armónicamente dispuestos para así captar la atención del futuro admirador-mirador.

Con la práctica de la pintura, con la ejecución de cada obra, se van aprendiendo las técnicas, se va definiendo la personalidad artística, encontrandose mas agusto con ciertos procedimientos y ciertos estilismos, donde la rigidez desaparece para dar soltura a la mano y al cuerpo entero y donde los cánones preestablecidos van dejando de tener peso en la forma de trabajar, actuando con mas libertad en la ejecución, soltando las pulsiones y las emociones que son las que más tarde se van a sugerir en el contemplador de la obra.

En gran parte de la producción artística de las vanguardias y contemporánea, la materialidad de la obra sube hasta la superficie de la misma; su propia piel es la materia de la que se constituye. En ocasiones, el asunto es la propia "materia" de la obra, que en vez de ser mediadora se vuelve el tema definidor de la idea y la expresión.
El elemento gráfico se utiliza como parte fundamental de la expresión emocional del proceso y la mayor parte de la descarga expresiva se transmite por la acción de las mano, los brazos, e incluso el cuerpo del artista en acción.
En muchas de las obras del expresionismo abstracto se producía una cierta fusión entre el dibujo y la pintura. Se diría que antes de pintar se pretendía dibujar o escribir con la pintura; esto es así por la utilización de signografías y trazados que se aproximan a una nueva caligrafía y por la reducción del color- en muchos casos con preponderancia del blanco y negro- que, como consecuencia, ceden el protagonismo a lo gráfico.

 Tener la necesidad de estropear la idea principal, de mancharla, rallarla, estropearla, pervertirla de lo que fué en origen no deja de ser un ejercicio de experimentación sobre la informalidad. Decía  Paco Umbral en su libro "Mortal y rosa" que "el arte descriptivo, minucioso, es pueril y pesado. El arte expresivo, expresionista, aísla rasgos y gana no solo en economía, si no en eficacia, porque el arte es (...) quitarle precisión para otorgale sujerencia.

A veces el punto de vista desde el cual ejercemos la mirada nos depara una sorpresa. La abstracción está escondida en la figuración, por otro lado los trazos informales componen un conjunto realista según la distancia de observación, eso nos da una idea de lo relativo de los conceptos figurativo-abstracto, y de lo inútil del dogmatismo de ciertos discursos que en la actualidad circulan sobre el concepto de arte.

LA FAMILIA UNIDA.

El arte y el trabajo son intrínsecos; el artista hace. Sus obras son  resultado de aprendizaje, largas meditaciones, bocetos, ideas que corrigen o tiran, que llevan una cadena de búsqueda y pruebas que desemboca en una obra, que al final puede ser fallida o exitosa.
Grupo cobra. Vivencias plásticas.

Ser feliz y exitoso en el arte es un despropósito, la creación no es infalible, el arte no es una sucesión de éxitos, es un historial de fracasos. cada obra lograda tiene tras de si más tropiezos, más dolor, más renuncia que lo conseguido. No existe trayectoria artística sin obras fallidas. Las obras abandonadas que el artista dejó inconclusas porque no logró lo que buscaban, son fragmentos indiscretos de una batalla perdida.

La línea del lápiz corre continua sin levantarse del papel, va deslizándose sin darse importancia, como en un juego de casualidades donde no importa la formalidad del trazo.

Jugar a dibujar monigotes estimula la imaginación y relaja la mente, que descansa en las lineas inquietas del grafito.

Sin ser consciente la mano va sola mientras el pensamiento está concentrado, divagando en soliloquios sobre la composición, la injusticia, la estética y el arte.

COPIANDO AL GRECO. SAN SEBASTIÁN.

Acrílico sobre tabla de 90 x 115 cm.
La afirmación prepotente e irresponsable del "todo vale" en arte se corresponde a la perfección con "todo vale" en la ética personal, en la política, y en el dispendio e irresponsabílidad económica y ecológica.
El arte ha de consistir, según Tápies, en un camino de meditación individual, una senda de aprendizaje y conocimiento de una realidad más allá de la realidad aparente: una gnosis de la realidad profunda.

CÓSMICO I

Este acrílico hecho sobre cartón pluma y papel de periódico y que mide 100 x 140 cm,  pertenece a la serie "VISIONES CÓSMICAS", justificación temática para explorar y ensayar las posibilidades  plásticas y estilísticas que nos ofrece el universo que nos circunda. Una página abierta a la interpretación personal sobre el tema.
A esta serie pertenecen también los cuadros titulados:"VIENTO CÓSMICO" Y "EL MUNDO SALVAJE DE JEREMÍAS JOHN".

EL DINERO.

Madre, yo al oro me humillo,
Él es mi amante y mi amado,
Pues de puro enamorado
Anda continuo amarillo.
Que pues doblón o sencillo
Hace todo cuanto quiero,
Poderoso caballero
Es don Dinero.

Nace en las Indias honrado,
Donde el mundo le acompaña;
Viene a morir en España,
Y es en Génova enterrado.
Y pues quien le trae al lado
Es hermoso, aunque sea fiero,
Poderoso caballero
Es don Dinero.

Son sus padres principales,
Y es de nobles descendiente,
Porque en las venas de Oriente
Todas las sangres son Reales.
Y pues es quien hace iguales
Al rico y al pordiosero,
Poderoso caballero
Es don Dinero.

¿A quién no le maravilla
Ver en su gloria, sin tasa,
Que es lo más ruin de su casa
Doña Blanca de Castilla?
Mas pues que su fuerza humilla
Al cobarde y al guerrero,
Poderoso caballero
Es don Dinero.

Es tanta su majestad,
Aunque son sus duelos hartos,
Que aun con estar hecho cuartos
No pierde su calidad.
Pero pues da autoridad
Al gañán y al jornalero,
Poderoso caballero
Es don Dinero.

Más valen en cualquier tierra
(Mirad si es harto sagaz)
Sus escudos en la paz
Que rodelas en la guerra.
Pues al natural destierra
Y hace propio al forastero,
Poderoso caballero
Es don Dinero.

MARTIRIZANTE

San Sebastián, el soldado que elige en que ejército quiere luchar, hace de su cuerpo el símbolo de su causa, su fé le da valor y lo lleva al martírio, los arqueros penetran sus flechasen su cuerpo desnudo. Avelina Lesper.
Este acrílico sobre cartón pluma y papel de periódico que se materializó a base de romper los pinceles contra el soporte de  textura dura como la piedra, tiene 95x135 cm y es candidato a la exposición colectiva "Greco 400" organizada por la CARPA en Getafe.

BUSCANDO A NEWMAN

 Ninguna teoría es relevante si no tiene una aplicación práctica, nada se expresa legitimamente si no deviene en su concepción ,material. Nada es merecedor de atención si no es útil. Aunque su utilidad ha de entenderse tanto en su valor en lo cotidiano como en su dimensión transcendente. Antonì Tapies.
Newman corre buscándose a sí mismo entre los despojos de sus fantasmas.